Como la Monetización Musical evolucionó a través de los Siglos

La Historia de los Músicos que ganan Dinero con su Arte

A lo largo de la historia, la música siempre ha sido una parte central de la cultura humana, pero el concepto de que los músicos ganan dinero con su arte ha evolucionado significativamente con el tiempo. Según algunas investigaciones que hice, durante una buena parte de la historia de la humanidad, podríamos decir que la música no fue un trabajo en absoluto (o al menos la concepción moderna de trabajo). ¿Una pista de esto? Todavía hoy, en varios países (mi país natal y el que vivo incluido), si le dices a alguien que eres músico, te preguntarán a cambio "bueno, pero ¿cuál es tu verdadero trabajo?". Eso dice mucho sobre la herencia conceptual que aún llevamos de una generación a otra, mientras que esta pregunta probablemente nace de una suposición importante subyacente: ¿ser músico a tiempo completo provee?

Ubicarnos en el espacio y el tiempo nos dará una visión más amplia de lo que ha sido durante la mayor parte del tiempo y, tal vez, podría ayudarnos a restablecer nuestra mentalidad y perspectiva, que son las verdaderas barreras para el cambio y la adaptación. Todos los historiadores y musicólogos parecen estar de acuerdo en que la primera forma de apoyo a la música y a los músicos fue el mecenazgo. En civilizaciones antiguas como la Egipcia (hace 5.000 años), la Griega (hace 3.000 años) y la antigua Roma (hace 2.000 años), la música era un elemento vital en las ceremonias religiosas, las celebraciones y la vida cotidiana. Un artista recibía el apoyo económico de mecenas adinerados o instituciones religiosas. Esto significa que, sin importar cuántas personas escucharan y participaran en una ceremonia o evento musical, el dinero no provenía del público (a los que hoy llamaríamos fans). Era más bien uno o unos pocos mecenas que, al reconocer el talento de ese artista, le proporcionaban los medios para vivir y hacer música, permitiendo que la comunidad se beneficiara de su talento artístico.

En la antigua Grecia, por ejemplo, los músicos solían ser contratados por el estado o por familias adineradas para actuar en eventos públicos y reuniones privadas. La elección de a quién patrocinar y a quién no se basaba casi por completo en el talento, las habilidades y el "toque" artístico de un artista. No había duda de que para aspirar a tener un mecenas o contratistas, el artista musical tenía que ser física y artísticamente capaz de realizar algo que nadie más o muy pocos más podían.

Durante la Edad Media en Europa, la Iglesia Católica se convirtió en un importante mecenas de la música. Los monasterios y catedrales emplearon a músicos y compositores para crear e interpretar música sacra. Estos músicos eran a menudo monjes o clérigos que recibían sustento y refugio de la iglesia a cambio de sus contribuciones musicales. Los músicos seculares, como los trovadores y los juglares, viajaban de corte en corte, ganando dinero a través de actuaciones y el mecenazgo de la nobleza. En este caso, podemos decir que los primeros (los contratados directamente por la Iglesia) eran los más similares a los artistas "establecidos" de hoy en día con un salario seguro y estable. Independientemente de la cantidad de riqueza y reconocimiento social que un compositor/músico pudiera alcanzar en vida, al menos probablemente no se estaba muriendo de hambre.

Por otro lado, los trovadores y los juglares eran artistas que de alguna manera habían financiado sus estudios por sí mismos y, a falta de un gran mecenas rico, intentaban seguir adelante con su trabajo, encargo tras encargo. En un momento determinado, uno podía convertirse en el "jug de la corte", por ejemplo, pero en general, era una forma mucho más inestable de ganarse la vida con la música. También creo que este tipo de artistas necesitaban, de vez en cuando, aceptar trabajos extra no relacionados con el trabajo simplemente para satisfacer sus necesidades.

El Renacimiento y el Nacimiento del Músico Profesional

El período del Renacimiento (siglos XIV al XVII) vio el auge del músico profesional. Con el crecimiento de las ciudades y el surgimiento de una clase de comerciantes ricos, hubo una mayor demanda de música tanto en entornos públicos como privados. Compositores como Josquin des Prez y Claudio Monteverdi comenzaron a recibir encargos de mecenas e instituciones adineradas. La imprenta, inventada a mediados del siglo XV, también desempeñó un papel crucial al permitir la producción en masa de partituras que los compositores podían vender. La notación musical había sido inventada alrededor del año 1000 por el monje italiano Guido d'Arezzo. Detengámonos un momento para entender mejor lo que esto implicaba. Antes de que se pudieran producir partituras musicales, es justo decir que cada interpretación era única a su manera. La composición estaba dentro de la cabeza del intérprete, lo que no lo vinculaba a ninguna versión "original" de algo. Ya fuera música popular o composición propia, el concepto de versión "original" de una canción dada no estaba en cuestión.

Primero, las notaciones musicales y luego la imprenta dieron un gran impulso a la difusión de obras que ahora podían escribirse y luego transmitirse a multitudes y generaciones futuras: el papel del compositor musical ahora se vuelve muy importante. Tanto por el flujo de ingresos adicional (regalías derivadas de la reproducción y venta de partituras) como también porque la obra de un compositor ahora podía trascender su muerte. En esta era, comenzamos a tener un impulso similar al conocido impulso contemporáneo de "producir algo que se destaque", en términos de ventas y resonancia pública. Un mecenas, ya sea público o privado, se enorgullecía de patrocinar a un músico o compositor realmente reconocido y esto desencadenó la búsqueda de nuevos talentos y el intento de contratar a aquellos que fueran rentables y reconocidos.

Las eras barroca (1600-1750) y clásica (1750-1820) presenciaron nuevos desarrollos en la industria musical. Compositores como Johann Sebastian Bach, George Frideric Handel, Wolfgang Amadeus Mozart y Ludwig van Beethoven encontraron diversas formas de monetizar su música. Los conciertos públicos se hicieron más comunes y la venta de entradas proporcionó una nueva fuente de ingresos. Además, los compositores vendían sus composiciones a editores, que imprimían y distribuían la música. El mecenazgo seguía siendo significativo, pero los músicos buscaban cada vez más independencia financiera mediante la interpretación y publicación en público.

El siglo XIX marcó un punto de inflexión con el auge del intérprete virtuoso. Músicos como Franz Liszt y Niccolò Paganini se hicieron famosos por sus extraordinarias habilidades y comenzaron a realizar giras extensas. Estas giras eran muy rentables, ya que grandes audiencias pagaban para ver sus actuaciones. La revolución industrial también contribuyó al desarrollo de una industria musical, con tecnologías de impresión mejoradas que hicieron que las partituras fueran más accesibles al público.

Llegados aquí, deseo señalar algo extremadamente relevante, antes de adentrarme en el siglo XX. Los conciertos y las representaciones eran la única forma de escuchar música, o al menos la música de estos compositores. Si excluimos a cualquier músico autodidacta o no profesional que pudiera entretenerse a sí mismo o a su círculo social durante un rato o a los bardos de la calle, si querías ver y escuchar a Paganini, Bach, Mozart, Liszt, etc., tenías que pagar la entrada a uno de sus conciertos. Podías haber ido a una actuación en la que los artistas musicales, habiendo comprado y estudiado las partituras de estos compositores, ofrecían su versión de su música. Aún así, ibas físicamente a un lugar donde la música siempre existía en su "formato en vivo". Me encanta hacer este ejercicio mental porque para nosotros, hoy en día, esto suena a locura. Seguramente podemos entenderlo, pero la cantidad de música pregrabada con la que estamos inundados todos los días hace que sea bastante difícil de imaginar. Además, la curiosidad por ver a un músico genial interpretando cosas de gran virtuosismo fue de hecho un catalizador para que la gente fuera a los conciertos. Una vez más, no había otra manera que ir físicamente a ver la música que escuchabas. Hoy en día, podemos ver cómodamente un vídeo en YouTube, sentados en el sofá de nuestra casa.

Principio del Siglo XX: la Llegada de la Grabación y la Radio

A principios del siglo XX se produjeron cambios importantes con la llegada de la tecnología de grabación y la radio. En 1877, la invención del fonógrafo por parte de Thomas Edison y el posterior descubrimiento del telégrafo por parte de Guglielmo Marconi supusieron una gran revolución: la música y los músicos ya no estaban atados a un espacio físico, sino que el público podía experimentar y escuchar su talento y sus increíbles obras en cualquier lugar, en cualquier momento y de forma repetida. Ahora podían llegar a un público más amplio a través de los discos fonográficos y las emisiones de radio. Esta era vio el auge de los artistas discográficos, con músicos que ganaban dinero con las ventas de discos y las regalías de radio. Artistas icónicos como Enrico Caruso y Bessie Smith se convirtieron en nombres familiares, y la industria de la música empezó a tomar forma como una importante empresa comercial. Los discos y la cobertura de radio catapultaron al artista y a quien poseyera los derechos de la música grabada a un mundo completamente nuevo de oportunidades e ingresos. El alcance de un artista se expandió incluso más allá de lo que físicamente podía imaginar.

A mediados y finales del siglo XX se suele considerar la edad de oro de la industria musical. La introducción de nuevos formatos como los discos de vinilo, las cintas de casete y los CD creó fuentes de ingresos adicionales. Las compañías discográficas desempeñaron un papel fundamental en el descubrimiento, la promoción y la distribución de la música. Artistas como Elvis Presley, The Beatles y Michael Jackson lograron un éxito comercial sin precedentes, obteniendo ingresos sustanciales por las ventas de discos, conciertos y merchandising. Además, nunca olvidemos que la música, como cualquier otro aspecto (y en este caso el negocio) de la vida humana, depende de la economía que lo rodea. Después de dos guerras mundiales, el mundo occidental estaba experimentando un momento de crecimiento, impulsado por los ideales de libertad y las creencias democráticas. Todas las dictaduras que habían dado forma a Europa terminaron y el modelo capitalista se impuso rápidamente, generando flujos de capital y una moral positiva. Entre los años 70 y finales de los 90, se estimaba que un contrato discográfico rondaba los 250.000 dólares. Alcanzar un objetivo de venta de 100.000 copias rendía 1.000.000 de dólares. Se puede entender lo masivo que fue el retorno de la inversión, en aquellos tiempos. Haz las cuentas para aquellos discos que vendieron millones y millones de copias (sin mencionar todos los demás royalties generados por radios, conciertos y TV). Sí, no deberíamos olvidarnos de la TV. Después del disco y la radio, cuando la TV comienza a entrar en las casas de la gente, tenemos una herramienta increíblemente poderosa añadida: el poder de lo visual y el poder del "lo he visto en la Tele.

Para construir una superestrella se necesitaba una combinación de diferentes factores: la conciencia, lo que significa que un gran número de personas deberían ser prácticamente conscientes de que ese artista existe; la repetición, que "planta" la semilla de algo que puede pasar desapercibido la primera o la segunda vez. La mente y la biología humanas asimilan por repetición, así que, en el momento en que puedo reproducir una canción una y otra vez en la radio y en la TV, tengo una forma mucho más efectiva de instalar un mensaje a la cabeza de la gente. La sensación de inalcanzable nos hizo ver a alguien como él/ella quería que lo vieran. Al poner a alguien bajo los reflectores, en películas, programas de televisión y todo tipo de formatos, los seres humanos tendemos a colocar a esa persona en un nivel de Dios, en lugar de uno horizontal. Ahí es donde ocurre la adoración. No puedo adorar a alguien que considero de mi mismo nivel o de un nivel inferior. Sea lo que sea que signifique "estar en un nivel superior", es necesario crear eso para vender una estrella. Esta era proporciona todas las herramientas para hacerlo, junto con la novedad: todo era nuevo. Tanto la música, como la posibilidad de escuchar radios, la oportunidad de ver a alguien en la televisión, todo se veía por primera vez. Todos sabemos que la novedad siempre tendrá un gran impacto en nosotros.

La Era Digital: un Nuevo Paradigma

A finales del siglo XX y principios del XXI se produjo la revolución digital, que cambió drásticamente la industria de la música para siempre. La llegada de Internet, las descargas digitales y los servicios de streaming transformaron la forma en que se consumía y monetizaba la música. Muchas de las razones que determinaron la época dorada explicadas anteriormente (discos físicos, radios, TV, novedad) y que se manifestaron en una cantidad asombrosa de dinero (y por lo tanto, poder de inversión) se vieron rápidamente obstaculizadas, si no eliminadas (como las ventas de discos) en pocos años. Pasamos de una tasa de retorno de inversión promedio de 4:1 a centavos, cuando llegó el streaming digital. No debemos olvidar que, si no hubiera aparecido el streaming, las descargas ilegales (gracias a la introducción del formato mp3) estaban impidiendo que la gente comprara discos que podían descargar fácilmente a través de la piratería.

Independientemente de nuestra opinión al respecto, ninguna empresa se comporta bien a corto plazo si sus flujos de ingresos se desploman radicalmente. Debo agregar (y considero que no es solo mi opinión) que el auge de la época dorada también desencadenó su caída. Según la historia humana, siempre que algo se vuelve tan próspero y hay demasiado dinero y poder de por medio, es inevitable que surja la corrupción y la sed de más y más poder. Así pues, si estoy seguro de que hubo un tiempo en el que se pusieron capitales a disposición de los artistas para crear, empoderar, romper barreras y expandir nuestras mentes, esos mismos capitales, cuando se dispararon y se volvieron ridículos, desencadenaron el patrón exactamente opuesto: un entorno en el que la visión se sustituye por la prestación, el hambre de descubrimiento por la codicia, la creación de redes y la conexión por el control y la sumisión. Teniendo en cuenta las últimas acusaciones contra Diddy y todo el círculo, supongo que todos entendemos lo que significa todo esto.

¿El fin de una era es el fin de todas las cosas? ¡No, en absoluto! Quería escribir un artículo específicamente sobre este tema para que todos podamos ponernos en contacto con un aspecto muy importante: la música siempre ha existido y siempre ha sobrevivido. Como dice la famosa frase del profesor Malcolm en Jurassic Park: "la vida siempre encuentra un camino", así también lo hará la música. No tengan ninguna duda al respecto. Para mi programa de mentoría "Artista Consciente", hice una pequeña investigación sobre las cifras actuales de artistas musicales en el mundo. No pretenden ser demasiado precisas, pero sin duda nos dan una pista del panorama general. Podemos estimar aproximadamente que, a la fecha, hay al menos unos 10.000.000 de artistas musicales activos en el mundo. El 11% de ellos se gana la vida con la música. Los multimillonarios no son más que un puñado, probablemente no superen los 200 en total. Eso es fascinante porque si analizamos el negocio de la música en términos de porcentaje, seguramente no es tan bueno. Solo un 11% de todos los que lo intentan no se consideraría una buena opción.

Sin embargo, podemos ver las mismas cifras en números absolutos: hasta la fecha, hay alrededor de un millón de personas en el mundo que se ganan la vida de manera sostenible gracias a la música. No sé si estás de acuerdo, pero para mí esto es increíble. Un millón de personas. En el pasado, ni siquiera durante la época dorada, no había forma de que todos estos músicos pudieran vivir de su pasión y amor por la música. O bien "triunfaban" a través del modelo de negocio tradicional (inversión en sellos discográficos y ventas de discos) o la música se quedaba solo un hobby.

El presente es finalmente el momento, la puerta de entrada para construir un negocio más horizontal, uno que estoy seguro de que aumentará tanto el número absoluto como el porcentaje. Como escribí en mi artículo sobre el "multiverso no viral", no estamos intercambiando un modelo de negocio por otro, sino todo apunta que el presente y el futuro de la monetización de la música abarquen diferentes fuentes, no necesariamente todas a la vez. El concepto de mecenas, por ejemplo, ya ha vuelto (pensemos en algunas plataformas como Patreon, Kickstarter, etc.), mientras que el apoyo directo de los fans y mecenas otorgará a los artistas los medios para hacer música.

Una cosa es segura y va a quedarse: el concepto de comunidad. Independientemente de cuál sea tu fuente de ingresos, tu objetivo principal es pensar en términos de marca, expresar valores, establecer una visión y construir una comunidad en torno a ella. Internet es una vía sin precedentes para lograrlo. Sí, es posible que uno nunca pueda tocar frente a miles de personas, por un montón de razones diferentes; sin embargo, tu música y tu arte pueden ser vistos y escuchados por miles, millones de personas. Podemos experimentar paradojas locas, como tener millones de seguidores y no ser necesariamente económicamente ricos; como realizar transmisiones en vivo de Instagram o TikTok frente a miles de personas y luego no poder vender suficientes entradas para un concierto físico. Todas estas paradojas pueden coexistir y lo harán.

Sin embargo, para mí el mayor avance es este: ahora PODEMOS hacer música de manera independiente, lo que abre la puerta a nuestra autenticidad, a nuestra sanación y, por lo tanto, a la de los demás. Ganar un salario a través del arte no es un derecho de nacimiento y, como lo vimos, nunca ha sido fácil. Sentirse con derecho a ello es una actitud muy soberbia y egocéntrica. Mi experiencia personal dice y prueba que si te haces portador de valores que también se expresan, no solo, a través de tu música, el progreso es inevitable.

Espero que puedas abrazar tu viaje con esa mentalidad y esa vibración porque es definitivamente lo que el mundo más necesita.